BLADE RUNNER 2049

Que te encarguen hacer la secuela de una película emblemática, debe ser cosa difícil para un director de cine. Y que más encima te encarguen hacer la de BLADE RUNNER,  verdadera leyenda del cine de ciencia ficción mundial, debe ser suficiente razón para sentir que la cosa será cuesta arriba. 

Eso imagino debió haber pensado Denis Villenueve, talentoso director canadiense, cuando le encomendaron una de los desafíos más duros de la cinematografía contemporánea. 

Sin embargo , luego de  ver BLADE RUNNER 2049, puedo decir con toda seguridad, que Villenueve no sólo logra salir airoso de la difícil misión encomendada, consiguiendo que su película alcance un nivel acorde a su antecesora, sino que además logra que ella tenga peso específico por sí sola.

Aunque BLADE RUNNER 2049, es la natural extensión de la historia desarrollada por su ilustre antepasado cinematográfico,  en mi humilde parecer, consigue establecer una propuesta novedosa, con una identidad propia, pero que al mismo tiempo rinde un merecido y respetuoso homenaje a uno de los referentes absolutos de la historia del cine.

Villenueve conecta de forma casi perfecta , su película con aquella realizada casi 35 años antes, y le da una maravillosa continuidad a la historia basada en la novela de Dick, que hablaba de los replicantes y su capacidad de sentir como humanos.

Destacar la satisfactoria actuación de Ryan Gosling y la tremenda banda sonora de Hans Zimmer -otra vez- y Benjamin Wallfisch.

BLADE RUNNER es una estación de detención obligada , para aquellos que disfrutamos  el cine, aquellos que buscamos, al menos durante un par de horas, llevar nuestra mente a un mundo distinto y que nos haga sentir que -a pesar de todo - somos seres en busca de sueños.

Absolutamente recomendable.

DUNKERQUE

En una fría, muy fría noche de Julio, en Concepción, fuimos a ver DUNKERQUE, la última realización de Christopher Nolan.

Y para explicar que lo motiva a uno a andar saliendo con este frío, tengo que  decir antes que la variada producción cinematográfica de este cineasta británico, ha sido siempre motivo de gran interés personal, lo mismo que la historia de la Segunda Guerra Mundial. Así las cosas, alimentado por estas preferencias personales, mis expectativas con respecto a esta película -tengo que reconocerlo- eran bastante elevadas.

Luego de verla, pacientemente sentado, en el más absoluto silencio durante las más de 2 horas que dura, emitiré mi humilde veredicto: DUNKERQUE es un PELICULÓN. 

Estamos ante una producción única, rodada con una técnica exquisita, y que  nos acerca de manera increíblemente veraz, a la angustiosa experiencia que debieron haber vivido los soldados ingleses atrapados en las costas francesas , en 1940.

Voy a mencionar algunos aspectos específicos del film que me quedaron dando vueltas y con los cuales, aluciné:

El uso de distintas escalas del tiempo en cada historia, lo considero una GENIALIDAD. Es que para algunos , arriba de un avión de combate, por ejemplo, la vida se debe vivir en minutos, pero para otros , abandonados en un muelle esperando ser rescatados, los días se hacen eternos. Nolan incorpora y resuelve esta dicotomía de forma brillante.

Una historia cinematográfica siempre requiere de un antagonista. Pero en DUNKERQUE, el enemigo es invisible. El antagonista no toma la forma de batallones de soldados ni motorizados alemanes. El adversario es el miedo en sí mismo, la angustia, la desesperación.

Mención aparte requiere la banda sonora.La atmósfera de opresión e incertidumbre de la película se apoya , en todo momento, y de forma importante -y como en todo trabajo de Nolan-  en un cuidadoso y espectacular fondo musical. DUNKERQUE definitivamente no es lo mismo sin el genial soundtrack de Hans Zimmer. 

Una cuidada fotografía -también un sello distintivo de Nolan- por supuesto está  presente en DUNKERQUE. La composición de cada  encuadre fue delicadamente pensada para producir en el espectador, el efecto deseado. Gran trabajo.

DUNKERQUE es una experiencia audiovisual impresionante, es más, cuando intento recordar el film en mi mente,  hay muchas otras sensaciones que no logro traducir bien en palabras. Las dejaré para un próximo post, si es que soy capaz.

Vayan a verla.

Trailer aquí.

SHERLOCK JR. : La magia de Buster Keaton

Debo partir este post reconociendo que no soy muy entusiasta del cine cómico. Es más,es quizás el género de cine que menos he visto en mi vida, 

Tengo, por tanto, una deuda de honor con la comedia en el séptimo arte.

Vamos a ver si empiezo a pagarla (aunque sea tarde y en cuotas).

Noventa y tres años tuvieron que pasar para que esta maravilla del cine llamada “SHERLOCK Jr.” pudiera ser vista por este humilde servidor. Es que ver esta película fue como encontrarme un tesoro oculto, una pieza de arte valiosa, cuya existencia desconocía y que por mera casualidad llegó a mis manos (ojos, más bien dicho).

El gran Buster Keaton dirige y protagoniza este extraordinario film  de cine mudo, realizado en 1924, y que nos permite contemplar y disfrutar del talento inigualable de este pionero del cine cómico, un genio en todo el sentido de la palabra.

Buster Keaton, en "Sherlock Jr", 1924

El cuidado diseño de las escenas de acrobacias fue el sello característico de las películas de Keaton. Sin embargo, en este caso, hay otros elementos fascinantes que disfrutar, como la incorporación de efectos especiales de vanguardia para la época. Me refiero , por ejemplo, a la genial secuencia cuando el protagonista está soñando en la sala de proyección  del cine y accede a la pantalla, en una clara referencia e inspiración que seguramente usaron comedias posteriores de la época contemporánea (Woody Allen, en  "La rosa púrpura del Cairo" , John McTiernan en "El último gran héroe")

Keaton ,a casi un siglo de distancia, nos hace entender que la ausencia de lenguaje verbal no es sinónimo de obsoleto, y que el viejo blanco y negro sigue albergando grandes historias para contar.

Diablos, cuando pienso en tanta película maravillosa que aún permanece allí, esperando ser vista, no sé si alegrarme  o angustiarme. En fin, aún queda cine del bueno , ciudadanos.

Se puede ver en Youtube aquí. 

MISSISSIPPI BURNING

Cada cierto tiempo disfruto viendo nuevamente películas que me han gustado.

Más de alguno considerará esta práctica carente de toda gracia, ya que se conoce el desarrollo de la trama. 

Nada más lejos de la verdad. 

Para aquellos que disfrutamos el cine, esto de volver a ser testigos de una historia, esta especie de "dejà vu" audiovisual , es una experiencia tan o más grata que aquella de ver por primera vez una película . 

Sobre todo, cuando la historia que observamos trascienden el alcance de sus casi dos horas de duración, y coloca en nosotros valiosas reflexiones en torno a cuestiones relevantes de la vida.

Esta vez volví a ver "MISSISSIPPI BURNING" (1988) dirigida por el gran Alan Parker, y protagonizada por Willem Dafoe y Gene Hackman. 

La lucha por los derechos civiles de la población negra de EEUU en los años 60, y el  problema del racismo y la discriminación, son el contexto sociopolítico de esta excelente producción, basada en hechos reales. 

Premiada por la academia -injustamente a mi juicio- sólo por su excelente fotografía, MISSISSIPPI BURNING constituye una película fundamental de la filmografía de Alan Parker, totalmente necesaria de ver o de volver a ver. 

OMAR

En estos días, las noticias que llegan desde Gaza,  ocupan los titulares de los diarios e informativos. Los brutales ataques por aire, tierra y mar  de Israel  contra el pueblo Palestino, hacen que la vergüenza y la indignación me inunden.

¿Cómo puede ser posible que los países del mundo -la llamada comunidad internacional- haga oídos sordos frente a este verdadero genocidio que lleva a cabo Israel,  y frente al sufrimiento de miles de familias palestinas, que viven cautivas en Gaza, la "mayor cárcel al aire libre del mundo"?.

El silencio cómplice de los países poderosos del mundo es una vergüenza. 

Aquellos que dicen defender los valores de la democracia occidental,  guardan criminal silencio a la hora de condenar y tomar acciones frente a estos alevosos crímenes contra la humanidad.

Pido disculpas a aquellos lectores que pasan por acá buscando alguna referencia a alguna película o recomendación y se encuentran con este post . Mis excusas,  pero en mi condición de ciudadano del mundo, manifestar mi opinión es algo que no he podido evitar.

OMAR (2013)

En fin, cómo de cine se trata este blog, y para que no pierdan el viaje , los invito a ver "OMAR (2013)", una película palestina que habla de jóvenes, de sueños, de ocupación , de rabia y que  nos permitirá  dar una mirada al drama humano que transcurre en ese lejano país.

MISS BALA: sueños y violencia

El narcotráfico y la corrupción son una brutal realidad que el cine mexicano aborda con cierta frecuencia y particular valentía en la pantalla grande.

Ya la excelente EL INFIERNO (2010) nos mostraba , con agudo tono de ironía y humor negro, lo profundo que éstas verdaderas tragedias sociales han calado en la sociedad azteca. 

La violencia del crimen organizado pareciera no tener límites en el país del norte. Así lo podemos ver nuevamente en la correcta MISS BALA (2012), donde los sueños de una joven por obtener el cetro de reina de belleza, sirven de punto de partida para una muy buena historia, que crece en complejidad e intensidad a medida que avanza, sin dar respiro a su protagonista y al espectador. 

No hay momento de sosiego en MISS BALA. Una situación lleva la otra, como si fuera un vehículo sin frenos ni control. 

Totalmente recomendable. 

THE PLACE BEYOND THE PINES (2012)

Estamos frente a una película de aquellas que, sin ser perfecta, te hace disfrutar de aquello que -según entiendo- es la esencia misma del séptimo arte: contar una historia.

La de Luke (Ryan Gosling) es una historia de redención, narrada en 3 partes, y conectadas entre sí por un fuerte hilo conductor narrativo: la relación Padre-hijo.

The Place beyond the  pines (2012)

Gosling ya me había mostrado en “DRIVER” el tremendo actor que es. Un tipo que ocupa toda la pantalla, solo armado con su personaje y su historia. Transmite el drama con la expresión , y muchas veces sin necesidad alguna de palabras. Actúa casi por presencia.

THE PLACE BEYOND THE PINES , del director norteamericano Derek Cianfrance, es una pequeña joya cinematográfica , de aquellas que  están casi olvidadas en una repisa, y que encontramos por mera casualidad. 

DJANGO UNCHAINED : Tarantino regresa?

Con DJANGO UNCHAINED Tarantino reivindica el western como el género de acción por antonomasia, imprimiéndole -claro está- su  reconocido sello personal.  Ya  las primeras líneas de la película, parecen sellar su destino de acción: "¿Quien deambula por la oscuridad? ¡Diga que quiere o prepárese a una bienvenida!" Toda una declaración de intención. Sencillamente genial.

DJANGO UNCHAINED es un homenaje al western europeo, al "Sphagetti Western" , a esas viejas películas de la década de los 60 y 70, con sus historias de antihéroes y balazos que silbaban,  y que tantas veces acompañaron  nuestros  trasnoches de televisión esos años, o un esperado domingo de cine.

El DJANGO de Tarantino es un homenaje en todo el sentido de la palabra. Lo deja así de claro al usar la misma  música y tipografía de los créditos iniciales del filme homónimo protagonizado por Franco Nero en 1966 (el propio Franco Nero  tiene un pequeño papel en la película) 

Django (1966)

Django Unchained (2012)

Como ya es costumbre en el cine de Tarantino, mención aparte merece la banda sonora.  Quentin ,como siempre, buscó en lo más recóndito de su colección musical, esa pieza justa para ambientar cada escena. No importa lo extemporáneo que suenan algunas canciones algo modernas en el viejo oeste. Cada melodía  seleccionada decora la historia como si fuera parte del propio atrezzo.

A algunos podría molestarles su excesivo metraje o su exagerada violencia. Que más da. Es Tarantino, se puede dar esos lujos no?

AMOUR (2012, MICHAEL HANEKE):

Tenía muchas ganas de ver esta película.

Es que lo que he visto hasta ahora del cine de Michael Haneke, me ha gustado todo. 

Es, en mi opinión,  un director  que trabaja una premisa básica del cine: contar una buena historia.

AMOUR no es una historia amorosa en el sentido tradicional.
Tenemos aquí al amor como fondo, claro está, pero que tiene la crudeza de las cosas cotidianas como primer plano, y no por ello dejar de ser un drama romántico.

Aquellos que busquen historias de entretención que busquen en otro lado. Es que AMOUR no es una película para ver y olvidar. Es una lección de vida en todo el sentido de la palabra y una cinta fundamental. 

Esta película de Haneke es para ver y luego discutir, es la puerta de entrada a visiones más profundas de la vida. Es para mirar hacia adentro y sincerarse.

Es probable que el minimalismo  de la puesta en escena de Haneke puede llegar a exasperar a algunos (no recuerdo por ejemplo ninguna toma en exteriores). Puede ser.

Es que Haneke , a pesar de que todo esto se trata de cine y de un producto en esencia visual, pone el énfasis en la historia, colocando la técnico visual al servicio de la historia que se cuenta.

La maestría y talento de este director austríaco se percibe cuando los créditos finales de la película aparecen: ante un silencioso y sobrio fondo negro, nos quedamos pegados a nuestros asientos, mirándonos ,  pensando. Acabamos de asistir a una verdadera clase magistral de cine.

Mención aparte merecen la veterana pareja de actores franceses. 

Sencillamente magistrales.

PD: Aún no veo la película chilena "NO", con la que AMOUR compitió en los Premios Oscars por mejor película extranjera 2012. Puede sonar injusto, pero creo que Pablo Larraín, a pesar de su buen esfuerzo, no tenía nada que hacer. Lo que es bueno es bueno.

ESCOBAR EL PATRON DEL MAL

No soy un gran seguidor de las series de TV. Eso de tener que esperar semana a semana para ver como evoluciona la historia, ya de sólo pensar, aleja mi interés.

Es más, las pocas que he visto, ha sido porque he podido disponer de todos los capítulos a mano. De esta forma, la espera no existe y puedo continuar con la serie a mi voluntad, ritmo y antojo.

A pesar de esta brutal disponibilidad de capítulos, que siendo honesto,  ya bordea la gula audiovisual, muy pocas series han podido engacharme. Las puedo enumerar con los dedos de una mano: "TWIN PEAKS", "BAND OF BROTHERS", "PRISON BREAK", "THE WALKING DEAD".

Ese era más o menos mi panorama en materia de series de TV, hasta que por esas casualidades de la vida -y gracias a la bendita internet-  dí con una que inmediatamente captó mi atención: "ESCOBAR EL PATRON DEL MAL".

ESCOBAR EL PATRON DEL MAL
Caracol TV

Esta serie,  exhibida por la TV colombiana durante el 2012, recrea la historia de Pablo Escobar, el otrora poderoso narcotraficante de cocaína de la década de los ochenta y noventa. 

La historia del joven bandido que robaba lápidas en los cementerios, que llegó a convertirse en uno de los más poderosos  narcotraficantes de la historia, y que por medio del asesinato y el terror, tuvo casi de rodillas al estado colombiano, vuelve a tomar protagonismo en la actualidad de la mano de esta entretenida serie. 

Aunque varios nombres fueron cambiados para su exhibición televisiva, la serie revive los principales eventos y personajes que dieron forma a esta singular historia latinoamericana.

El auge y caída de Escobar es contado en algo más de 100 capítulos, en formato cine, y con un muy buen nivel de producción.

Finalmente, y como corolario solo les digo una cosa: segunda serie que veo completa. Todo un récord personal.  

BATMAN : THE DARK NIGHT RISES (2012)

Christopher Nolan y su “THE DARK KNIGHT RISES” (en adelante TDNR), rescatan de forma extraordinaria la esencia básica y primaria del cine de entretención: llevar al espectador , por unas horas, a un viaje con retorno, a una lugar donde nuestra porfiada realidad terrenal se desvanece, y es reemplazada por un alucinante mundo paralelo donde la ficción y la aventura no conocen límites.

The Dark Nigh rises  (2012)

El trabajo de Nolan merece destacarse más aún, pues a pesar de ser ésta una película de fantasía pura, logra fusionar de forma única la más alucinante ficción con la más cercana realidad, creando así una historia donde la percepción de lo real y lo imaginario se diluye casi sin darnos cuenta. En efecto, la imagen de Gotham City nos resulta brutalmente familiar y por momentos pareciera que estamos en cualquier ciudad moderna del mundo.

Nolan afortunadamente no reduce TDNR a una cuestión de imagen o de efectos especiales. Por el contrario, se apoya en ellos para crear una elaborada historia de redención, de venganza, de amor, de sacrificio. Nolan -por suerte- no olvida que el cine de entretención es más que explosiones y balas, y también está hecho de drama, buenas actuaciones, y de un guión inteligente.

 Batman, Gatúbela  y Bane.

Hablar de TDNR es hablar también  de Bane y Gatúbela. Estos tremendos personajes secundarios casi no lo son. Son, en cambio, protagonistas paralelos de una misma y alucinante historia.

Mención aparte merece la banda sonora del film. Salí del cine y aún la sigo escuchando. Profunda e hipnótica como pocas.

TDNR es a mi juicio la mejor y más redonda historia del hombre murciélago filmada hasta la fecha y constituye uno de los menús cinematográficos más deliciosos de los últimos tiempos, sobre todo si se disfruta en familia.

BARRY LYNDON (1975)

No hay deuda que no se pague, dice el antiguo refrán. 

Aprovechando la tranquilidad de unos días de descanso, y después de infinitas postergaciones, pude por fin saldar una personal deuda de honor que tenía con BARRY LYNDON,  de Stanley Kubrick.

No haber visto esta parte de la filmografía de este insigne director norteamericano, era para mí una situación casi insostenible en el tiempo. Así que, sin mayores cavilaciones, me acomodé en mi estropeado sillón –lo de viejo no es un eufemismo literario-, eso sí,  apropiadamente armado  de una copia en alta definición del film, para disfrutar el evento como corresponde -y como Kubrick se merece, claro-.

BARRY LYNDON me parece un film incomprendido. Es probable que las sombras de obras maestras tales como “2001: ODISEA DEL ESPACIO”, o de “EL RESPLANDOR”, o de la “NARANJA MECÁNICA” opaquen  el brillo propio que tiene esta singular historia de mediados de siglo. Sin duda debe ser así, pero en mi opinión este extenso film tiene grandes méritos que merecen ser destacados.

BARRY LYNDON (1975)

La exquisita técnica de Kubrick -yo diría casi al borde de la obsesión- se revela gigante en BARRY LYNDON. Cada plano está cuidadosamente planificado y dirIgido, la fotografía se maravilla con el uso de la iluminación con velas, las tomas en exteriores capturan la belleza del paisaje inglés con maestría inigualable, todo respaldado por una banda sonora de música clásica que lo transporta a uno a otro tiempo. Quizás el aspecto más bajo de la película tiene que ver algunas debilidades argumentales de la historia, que no la hacen suficientemente atractiva y dinámica.

Es probable que BARRY LYNDON no sea la mejor película de Kubrick,  y con su extenso metraje, hay que reconocer que se requiere algo de paciencia para verla.  Pero vamos, es Kubrick, al fin y al cabo.

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS

El cine español es una vertiente permanente de buenas películas. Así lo demuestra "NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS", thriller dirigido por Enrique Urbizu y protagonizado por José Coronado.

La historia nos presenta a Santos Trinidad, un antihéroe en todo el sentido de la palabra. Un tipo de esos que vive bajo su propio reloj, que nadie quiere, que cargan un turbio pasado a cuestas, y que prefieren la bohemia compañía de unos tragos a la fría soledad de sus casas vacías.

Será justamente una de esas noches de vagar sin rumbo, la que cambiará la vida del inspector de polícía Santos Trinidad.

"No habrá paz para los malvados" (2011)

Aunque me parece que la trama de la película se enreda algo en cuanto a las verdaderas motivaciones del protagonista, hay que reconocer que el film está muy bien narrado y resulta atractivo en todo momento. En mi opinión, la primera media hora es un disfrute total y lo mejor que he visto del cine español en mucho tiempo.

Totalmente recomendable.

LA FABRICA DEL THRILLER EN COREA DEL SUR

Voy a ir al grano con este post: Corea del Sur es ,desde hace más de una década, una verdadera "fábrica" del thriller de alto nivel.

"SYMPATHY FOR MR. VENGEANCE (2002)" ,"OLD BOY (2003)" y "SYMPATHY FOR LADY VENGEANCE (2005)", del talentoso director Park Chan-wook, "MEMORIES OF MURDER" (2003) de Bong Joon-ho, "A BITTERSWEET LIFE (2005)" y  "I SAW THE DEVIL (2010)" de Kim Ji-woon, la intrigante "MOTHER (2009)" de Bong Joon-ho,  son películas que logran atrapar al espectador con historias de contenido y estilo muy singulares, con un sello totalmente distinto a las que vemos en el cine occidental.

Sympathy For Mr. Vengeance (2002)

Old Boy (2003)

Es que los protagonistas de estos films son antihéroes, sujetos con historias de desconsuelo y decadencia, que no trepidan en cruzar la línea de no retorno y de la violencia cuando la vida los lleva a ese tránsito.

Y siendo la violencia -y el gore en particular- un rasgo común en este cine coreano, debemos destacar y agradecer que éstos, cuando se usan, se hace de la mano de una historia, como componentes indisolubles de la misma, fortaleciéndola y enfatizándola , allí donde ésta lo requiera.

Sympathy for Lady Vengeance (2005)

Memories of a Murder (2003)

De igual manera, junto al poderoso atractivo argumental, estos films coreanos, tienen también como denominador común el cuidado extremo por la fotografía y delicadas bandas sonoras, las cuales dejan de ser aspectos meramente técnicos, y pasan a convertirse en piezas fundamentales de la historia.

A Bittersweet Life (2005)

Mother (2009)

I saw the Devil (2010)

Para dicha de nosotros, simples mortales occidentales, el cine coreano es una verdadera fábrica del thriller, y afortunadamente para nuestro insaciable apetito cinéfilo, de la mejor calidad. 

Pase y sírvase usted mismo.

DRIVE

DRIVE es una extraordinaria película de Nicolas Winding Refn.

En lo personal, fueron varias las veces que pasé por este película, y la verdad que nunca  me hizo "click". La temática de autos -me dije- no es lo mío. Cuan equivocado estaba. Ésta, la primera película que veo de este director danés, es una auténtica maravilla.

DRIVE es una película de difícil clasificación.

Es , por una parte, una artística expresión de cine moderno, pero a su vez es cine negro de los 50. No es cine arte, pero está muy lejos de ser una mera entretención comercial. Es sonido con memoria a años ochenta, pero es también estética y color atractivamente contemporáneo.

A pesar de lo difícil (e inútil) que puede resultar una clasificación o definición genérica, una cosa es absolutamente clara: DRIVE es cine verdadero. Cautivante e intensa, como pocas veces nos toca ver.

Mención aparte merece la banda sonora, hipnótica y paralizante, sencillamente espectacular.

DRIVE Es toda una joya cinematográfica, una película con todas sus letras, algo que revitaliza el cine, y que nos hace volver a creer en la magia de los 24 cuadros por segundo.

El trailer se puede ver aquí.

TAKE SHELTER

TAKE SHELTER es una película totalmente intrigante. Las apocalípticas visiones de

Curtis, su protagonista, nos mantienen a medio camino de una historia que va de la realidad a la ficción. El espectador no logra dilucidar si las pesadillas de este trabajador norteamericano corresponden al deterioro progresivo de su salud mental, o a una suerte de revelaciones de un futuro trágico para su familia.

A pesar de su lento ritmo, TAKE SHELTER logra mantenernos pegados al asiento, expectantes del desarrollo y del desenlance. La extraordinaria actuación de Michael Shanon, logra transmitir la angustia que siente aquel que su cabeza se desmorona, pero que debe mantenerse en pie, a pesar de todo.

Un viaje de la alucinación a la realidad, de la mano de una hipotética catástrofe natural.

Uf, me recordé de aquella agitada madrugada del 27 de Febrero hace 2 años.

Una muy buena película.

NOSTALGIA DE LA LUZ - Patricio Guzmán

"Nostalgia de la luz", el último trabajo del gran documentalista chileno Patricio Guzmán, es aquel tipo de cine que resulta fundamental, imprescindible, totalmente necesario de ver.

Tal como lo dice el propio director, "un país sin cine documental es como una familia sin un álbum de fotografías". Por ello, en este nuevo film, Guzmán vuelve a abordar el tema de la memoria, esta vez desde una delicada y hermosa analogía: La búsqueda del pasado, aquella realizada por los astrónomos con sus telescopios y aquella que aún realizan los familiares de los detenidos desaparecidos ejecutados por la dictadura militar de Pinochet.

Al principio, el film nos desconcierta. No sabemos adonde nos lleva. De a poco Guzmán nos va mostrando la conexión entre aquella dedicada búsqueda astronómica por los confines estelares y la dolorosa búsqueda de las mujeres de sus esposos e hijos desaparecidos por la dictadura militar, en el vasto desierto de Atacama.

Se trata de un film conmovedor y delicado, alejado de toda propaganda, como todo el trabajo de Guzmán, y que aborda con singular cuidado, una de las realidades más dolorosas y olvidadas del pasado reciente de nuestro país.

Imprescindible.

LOS REMAKES

Cuando la voraz industria del cine norteamericano encuentra en otras fronteras –o en las propias- algún film de relativo éxito, a los ejecutivos de los grandes estudios de Hollywood, la palabra “Remake” se les viene inmediatamente a la cabeza. Y sin duda alguna, los “gringos” son los campeones del “remake”, los número uno del negocio de rodar nuevas versiones de películas previamente exhibidas.

Aunque la mayoría de las veces, estos “remakes” no hacen mucho honor al film original, y terminan siendo bodrios de mayor presupuesto, existen casos destacables en los que estas nuevas versiones, logran un muy buen nivel, igualando, algunos incluso superando, la calidad del film inicial.

Algunos “remakes” vistos por el suscrito y que considero dignos de mencionar:

La producción norteamericana “LET ME IN”(2010), remake de la película sueca “LAT DEN RATTE KOMMA IN” (2008). En lo personal, siendo buena ambas versiones, me quedo con la versión sueca. Excelente lección de cine de vampiros nos llegó de Suecia.

Paradojalmente , La película que le valió el premio Oscar al gran Martin Scorsese, después de muchos años e intentos, fue un remake: THE DEPARTED (2006) fue la adaptación del film chino WU JIAN DAO (2002). Aunque soy un fanático de Scorsese y su versión tiene su impronta y estilo, me quedo con el film original chino.

Existen remakes muy singulares, como es el caso del director austriaco Michael Haneke, quien en un acto de narcisismo cinematográfico, hizo el 2007 una nueva versión de su “FUNNY GAMES”(1997). Haneke tiene talento de sobra, pero de ahí a copiarse a si mismo, es un poco ambicioso, no lo creen?. De cualquier forma, me quedo con la versión original.

La reciente película “TRUE GRIT” (2010) de los hermanos Cohen, es una excelente nueva versión del film homónimo protagonizado por John Wayne (1969). En este caso, me quedo con el remake. Un western diferente, dotado de toda la chispa e ingenio de los Cohen.

Aunque a la hora de la evaluación, la ventaja siempre la tendrá la película primaria - a fin de cuentas por la originalidad de la idea- , en mi modesta opinión, bienvenidos sean los remakes, pues hay películas que solo he logrado conocer a partir de la exhibición de su ambicioso refrito.

En fin, como dice el dicho, en materia de gustos, no hay nada escrito.

THE NEXT THREE DAYS

Si lo que quieres es una película que te mantenga intrigado y pendiente durante todo su desarrollo, pues el thriller THE NEXT THREE DAYS , dirigida por Paul Haggis , puede ser lo que buscas.

Russel Crowe personifica a un profesor que lucha por la libertad de su mujer encarcelada, llegando hasta los límites de lo permitido y más allá.

Aunque está bastante lejos de ser una pieza maestra , y de que hay aspectos que han sido definitivamente mal abordados, se trata de un entretenido film para ver una de estas frías noches de otoño.

Recomendable.

LAS TORTUGAS TAMBIEN VUELAN

La principales víctimas de toda guerra son los niños.

Así lo confirma el director iraní Bahman Ghobadi en este emotivo film.

Un campo de refugiados en la frontera iraquí donde la infancia no existe para los niños que crecen en medio de los campos minados y las ruinas de tanques y obuses.

Un golpe directo a la conciencia del espectador.

Imprescindible.