BLADE RUNNER 2049

Que te encarguen hacer la secuela de una película emblemática, debe ser cosa difícil para un director de cine. Y que más encima te encarguen hacer la de BLADE RUNNER,  verdadera leyenda del cine de ciencia ficción mundial, debe ser suficiente razón para sentir que la cosa será cuesta arriba. 

Eso imagino debió haber pensado Denis Villenueve, talentoso director canadiense, cuando le encomendaron una de los desafíos más duros de la cinematografía contemporánea. 

Sin embargo , luego de  ver BLADE RUNNER 2049, puedo decir con toda seguridad, que Villenueve no sólo logra salir airoso de la difícil misión encomendada, consiguiendo que su película alcance un nivel acorde a su antecesora, sino que además logra que ella tenga peso específico por sí sola.

Aunque BLADE RUNNER 2049, es la natural extensión de la historia desarrollada por su ilustre antepasado cinematográfico,  en mi humilde parecer, consigue establecer una propuesta novedosa, con una identidad propia, pero que al mismo tiempo rinde un merecido y respetuoso homenaje a uno de los referentes absolutos de la historia del cine.

Villenueve conecta de forma casi perfecta , su película con aquella realizada casi 35 años antes, y le da una maravillosa continuidad a la historia basada en la novela de Dick, que hablaba de los replicantes y su capacidad de sentir como humanos.

Destacar la satisfactoria actuación de Ryan Gosling y la tremenda banda sonora de Hans Zimmer -otra vez- y Benjamin Wallfisch.

BLADE RUNNER es una estación de detención obligada , para aquellos que disfrutamos  el cine, aquellos que buscamos, al menos durante un par de horas, llevar nuestra mente a un mundo distinto y que nos haga sentir que -a pesar de todo - somos seres en busca de sueños.

Absolutamente recomendable.

DUNKERQUE

En una fría, muy fría noche de Julio, en Concepción, fuimos a ver DUNKERQUE, la última realización de Christopher Nolan.

Y para explicar que lo motiva a uno a andar saliendo con este frío, tengo que  decir antes que la variada producción cinematográfica de este cineasta británico, ha sido siempre motivo de gran interés personal, lo mismo que la historia de la Segunda Guerra Mundial. Así las cosas, alimentado por estas preferencias personales, mis expectativas con respecto a esta película -tengo que reconocerlo- eran bastante elevadas.

Luego de verla, pacientemente sentado, en el más absoluto silencio durante las más de 2 horas que dura, emitiré mi humilde veredicto: DUNKERQUE es un PELICULÓN. 

Estamos ante una producción única, rodada con una técnica exquisita, y que  nos acerca de manera increíblemente veraz, a la angustiosa experiencia que debieron haber vivido los soldados ingleses atrapados en las costas francesas , en 1940.

Voy a mencionar algunos aspectos específicos del film que me quedaron dando vueltas y con los cuales, aluciné:

El uso de distintas escalas del tiempo en cada historia, lo considero una GENIALIDAD. Es que para algunos , arriba de un avión de combate, por ejemplo, la vida se debe vivir en minutos, pero para otros , abandonados en un muelle esperando ser rescatados, los días se hacen eternos. Nolan incorpora y resuelve esta dicotomía de forma brillante.

Una historia cinematográfica siempre requiere de un antagonista. Pero en DUNKERQUE, el enemigo es invisible. El antagonista no toma la forma de batallones de soldados ni motorizados alemanes. El adversario es el miedo en sí mismo, la angustia, la desesperación.

Mención aparte requiere la banda sonora.La atmósfera de opresión e incertidumbre de la película se apoya , en todo momento, y de forma importante -y como en todo trabajo de Nolan-  en un cuidadoso y espectacular fondo musical. DUNKERQUE definitivamente no es lo mismo sin el genial soundtrack de Hans Zimmer. 

Una cuidada fotografía -también un sello distintivo de Nolan- por supuesto está  presente en DUNKERQUE. La composición de cada  encuadre fue delicadamente pensada para producir en el espectador, el efecto deseado. Gran trabajo.

DUNKERQUE es una experiencia audiovisual impresionante, es más, cuando intento recordar el film en mi mente,  hay muchas otras sensaciones que no logro traducir bien en palabras. Las dejaré para un próximo post, si es que soy capaz.

Vayan a verla.

Trailer aquí.

I DANIEL BLAKE: Ken Loach en lo suyo

Ken Loach , para dicha de todos los que disfrutamos del cine, sigue a sus 80 años, haciendo películas. En horabuena, como dicen los españoles. 

Es que este director Inglés es, a mi juicio, uno de aquellos imprescindibles del cine contemporáneo, y lo es porque nos lleva a un tipo de cine distinto, alejado de la industria de la mera entretención. 

Loach es dueño de un estilo único de contar historias. La mayoría de sus filmes tienen una extraordinaria cercanía con el hombre común,  ese que debe levantarse cada día a trabajar o a buscar trabajo,  ese que debe pagar el arriendo, que está endeudado, ese que porta sus angustias y sus alegrías en sus bolsillos.  

En palabras del propio Loach, "el  cine estadounidense rinde culto a la riqueza". Por lo tanto, muchas de sus películas e historias tienen que ver con esa temática, con la búsqueda de la riqueza o los vericuetos de su disfrute. 

El cine de Loach, afortunadamente, es otra cosa. Siempre ha estado del lado de los de abajo, buscando mostrar las injusticias sociales del cada vez más voraz capitalismo contemporáneo. 

La historia de Daniel Blake, podría ser la historia de muchos ciudadanos pobres del mundo. De los que sienten que la injusticia reina y que han sido olvidados por todos, incluyendo el propio estado. 

No pude evitar emocionarme con la historia de Daniel , con su generosidad y valiente lucha. 

Al final de la película. Me quedé viendo los créditos finales, ensimismado. 

Agradecí en silencio y a la distancia al gran viejo Loach, por regalarnos esta hermosa historia, por ayudarnos a rescatar esa humanidad nuestra, olvidada en medio del consumo y el individualismo. 

Simplemente extraordinaria. 

SHERLOCK JR. : La magia de Buster Keaton

Debo partir este post reconociendo que no soy muy entusiasta del cine cómico. Es más,es quizás el género de cine que menos he visto en mi vida, 

Tengo, por tanto, una deuda de honor con la comedia en el séptimo arte.

Vamos a ver si empiezo a pagarla (aunque sea tarde y en cuotas).

Noventa y tres años tuvieron que pasar para que esta maravilla del cine llamada “SHERLOCK Jr.” pudiera ser vista por este humilde servidor. Es que ver esta película fue como encontrarme un tesoro oculto, una pieza de arte valiosa, cuya existencia desconocía y que por mera casualidad llegó a mis manos (ojos, más bien dicho).

El gran Buster Keaton dirige y protagoniza este extraordinario film  de cine mudo, realizado en 1924, y que nos permite contemplar y disfrutar del talento inigualable de este pionero del cine cómico, un genio en todo el sentido de la palabra.

Buster Keaton, en "Sherlock Jr", 1924

El cuidado diseño de las escenas de acrobacias fue el sello característico de las películas de Keaton. Sin embargo, en este caso, hay otros elementos fascinantes que disfrutar, como la incorporación de efectos especiales de vanguardia para la época. Me refiero , por ejemplo, a la genial secuencia cuando el protagonista está soñando en la sala de proyección  del cine y accede a la pantalla, en una clara referencia e inspiración que seguramente usaron comedias posteriores de la época contemporánea (Woody Allen, en  "La rosa púrpura del Cairo" , John McTiernan en "El último gran héroe")

Keaton ,a casi un siglo de distancia, nos hace entender que la ausencia de lenguaje verbal no es sinónimo de obsoleto, y que el viejo blanco y negro sigue albergando grandes historias para contar.

Diablos, cuando pienso en tanta película maravillosa que aún permanece allí, esperando ser vista, no sé si alegrarme  o angustiarme. En fin, aún queda cine del bueno , ciudadanos.

Se puede ver en Youtube aquí. 

BREAKING BAD

En lo que tiene que ver con series de Televisión, debo decir que siempre llego atrasado.

No soy de seguir modas ni de ver lo que está en la cresta de ola, por lo que siempre veo las series con bastante desfase de tiempo de su apogeo televisivo.

La verdad que creo que voy contra la naturaleza misma de la serie de TV,  pues las veo cuando yo tengo el tiempo e interés, y no cuando la pasan por la tele (les suena NETFLIX?)

Con BREAKING BAD, fue lo mismo.

Me puse a verla cuando ya casi había terminado la última temporada.

Cuando todo el mundo se agarraba los pelos , semana a semana a través de la pantalla, yo estaba en el limbo de la nada televisiva.

BREAKING BAD

Sin embargo no se puede tapar el sol con un dedo.

Me llegó la hora y de forma casi inevitable, me encontré a boca de jarro con la historia de Walter White, este profesor de química enfermo de cáncer , y su socio Jesse Pinkman, quienes deciden dedicarse al tráfico de metanfetamina.

BREAKING BAD, en sus cinco temporadas, de casi 5 años de duración, con sus 62 capítulos,  fue devorada por mi apetito ávido de historias, en cosa de un par de meses.

Un demencial banquete televisivo, que me dejó como resultado, no el agotamiento ocular, sino una sensación de disfrute que solo entregan las buenas historias.

El que no la haya visto, no sabe lo que se pierde.

DJANGO UNCHAINED : Tarantino regresa?

Con DJANGO UNCHAINED Tarantino reivindica el western como el género de acción por antonomasia, imprimiéndole -claro está- su  reconocido sello personal.  Ya  las primeras líneas de la película, parecen sellar su destino de acción: "¿Quien deambula por la oscuridad? ¡Diga que quiere o prepárese a una bienvenida!" Toda una declaración de intención. Sencillamente genial.

DJANGO UNCHAINED es un homenaje al western europeo, al "Sphagetti Western" , a esas viejas películas de la década de los 60 y 70, con sus historias de antihéroes y balazos que silbaban,  y que tantas veces acompañaron  nuestros  trasnoches de televisión esos años, o un esperado domingo de cine.

El DJANGO de Tarantino es un homenaje en todo el sentido de la palabra. Lo deja así de claro al usar la misma  música y tipografía de los créditos iniciales del filme homónimo protagonizado por Franco Nero en 1966 (el propio Franco Nero  tiene un pequeño papel en la película) 

Django (1966)

Django Unchained (2012)

Como ya es costumbre en el cine de Tarantino, mención aparte merece la banda sonora.  Quentin ,como siempre, buscó en lo más recóndito de su colección musical, esa pieza justa para ambientar cada escena. No importa lo extemporáneo que suenan algunas canciones algo modernas en el viejo oeste. Cada melodía  seleccionada decora la historia como si fuera parte del propio atrezzo.

A algunos podría molestarles su excesivo metraje o su exagerada violencia. Que más da. Es Tarantino, se puede dar esos lujos no?

AMOUR (2012, MICHAEL HANEKE):

Tenía muchas ganas de ver esta película.

Es que lo que he visto hasta ahora del cine de Michael Haneke, me ha gustado todo. 

Es, en mi opinión,  un director  que trabaja una premisa básica del cine: contar una buena historia.

AMOUR no es una historia amorosa en el sentido tradicional.
Tenemos aquí al amor como fondo, claro está, pero que tiene la crudeza de las cosas cotidianas como primer plano, y no por ello dejar de ser un drama romántico.

Aquellos que busquen historias de entretención que busquen en otro lado. Es que AMOUR no es una película para ver y olvidar. Es una lección de vida en todo el sentido de la palabra y una cinta fundamental. 

Esta película de Haneke es para ver y luego discutir, es la puerta de entrada a visiones más profundas de la vida. Es para mirar hacia adentro y sincerarse.

Es probable que el minimalismo  de la puesta en escena de Haneke puede llegar a exasperar a algunos (no recuerdo por ejemplo ninguna toma en exteriores). Puede ser.

Es que Haneke , a pesar de que todo esto se trata de cine y de un producto en esencia visual, pone el énfasis en la historia, colocando la técnico visual al servicio de la historia que se cuenta.

La maestría y talento de este director austríaco se percibe cuando los créditos finales de la película aparecen: ante un silencioso y sobrio fondo negro, nos quedamos pegados a nuestros asientos, mirándonos ,  pensando. Acabamos de asistir a una verdadera clase magistral de cine.

Mención aparte merecen la veterana pareja de actores franceses. 

Sencillamente magistrales.

PD: Aún no veo la película chilena "NO", con la que AMOUR compitió en los Premios Oscars por mejor película extranjera 2012. Puede sonar injusto, pero creo que Pablo Larraín, a pesar de su buen esfuerzo, no tenía nada que hacer. Lo que es bueno es bueno.

BARRY LYNDON (1975)

No hay deuda que no se pague, dice el antiguo refrán. 

Aprovechando la tranquilidad de unos días de descanso, y después de infinitas postergaciones, pude por fin saldar una personal deuda de honor que tenía con BARRY LYNDON,  de Stanley Kubrick.

No haber visto esta parte de la filmografía de este insigne director norteamericano, era para mí una situación casi insostenible en el tiempo. Así que, sin mayores cavilaciones, me acomodé en mi estropeado sillón –lo de viejo no es un eufemismo literario-, eso sí,  apropiadamente armado  de una copia en alta definición del film, para disfrutar el evento como corresponde -y como Kubrick se merece, claro-.

BARRY LYNDON me parece un film incomprendido. Es probable que las sombras de obras maestras tales como “2001: ODISEA DEL ESPACIO”, o de “EL RESPLANDOR”, o de la “NARANJA MECÁNICA” opaquen  el brillo propio que tiene esta singular historia de mediados de siglo. Sin duda debe ser así, pero en mi opinión este extenso film tiene grandes méritos que merecen ser destacados.

BARRY LYNDON (1975)

La exquisita técnica de Kubrick -yo diría casi al borde de la obsesión- se revela gigante en BARRY LYNDON. Cada plano está cuidadosamente planificado y dirIgido, la fotografía se maravilla con el uso de la iluminación con velas, las tomas en exteriores capturan la belleza del paisaje inglés con maestría inigualable, todo respaldado por una banda sonora de música clásica que lo transporta a uno a otro tiempo. Quizás el aspecto más bajo de la película tiene que ver algunas debilidades argumentales de la historia, que no la hacen suficientemente atractiva y dinámica.

Es probable que BARRY LYNDON no sea la mejor película de Kubrick,  y con su extenso metraje, hay que reconocer que se requiere algo de paciencia para verla.  Pero vamos, es Kubrick, al fin y al cabo.

DRIVE

DRIVE es una extraordinaria película de Nicolas Winding Refn.

En lo personal, fueron varias las veces que pasé por este película, y la verdad que nunca  me hizo "click". La temática de autos -me dije- no es lo mío. Cuan equivocado estaba. Ésta, la primera película que veo de este director danés, es una auténtica maravilla.

DRIVE es una película de difícil clasificación.

Es , por una parte, una artística expresión de cine moderno, pero a su vez es cine negro de los 50. No es cine arte, pero está muy lejos de ser una mera entretención comercial. Es sonido con memoria a años ochenta, pero es también estética y color atractivamente contemporáneo.

A pesar de lo difícil (e inútil) que puede resultar una clasificación o definición genérica, una cosa es absolutamente clara: DRIVE es cine verdadero. Cautivante e intensa, como pocas veces nos toca ver.

Mención aparte merece la banda sonora, hipnótica y paralizante, sencillamente espectacular.

DRIVE Es toda una joya cinematográfica, una película con todas sus letras, algo que revitaliza el cine, y que nos hace volver a creer en la magia de los 24 cuadros por segundo.

El trailer se puede ver aquí.

NOSTALGIA DE LA LUZ - Patricio Guzmán

"Nostalgia de la luz", el último trabajo del gran documentalista chileno Patricio Guzmán, es aquel tipo de cine que resulta fundamental, imprescindible, totalmente necesario de ver.

Tal como lo dice el propio director, "un país sin cine documental es como una familia sin un álbum de fotografías". Por ello, en este nuevo film, Guzmán vuelve a abordar el tema de la memoria, esta vez desde una delicada y hermosa analogía: La búsqueda del pasado, aquella realizada por los astrónomos con sus telescopios y aquella que aún realizan los familiares de los detenidos desaparecidos ejecutados por la dictadura militar de Pinochet.

Al principio, el film nos desconcierta. No sabemos adonde nos lleva. De a poco Guzmán nos va mostrando la conexión entre aquella dedicada búsqueda astronómica por los confines estelares y la dolorosa búsqueda de las mujeres de sus esposos e hijos desaparecidos por la dictadura militar, en el vasto desierto de Atacama.

Se trata de un film conmovedor y delicado, alejado de toda propaganda, como todo el trabajo de Guzmán, y que aborda con singular cuidado, una de las realidades más dolorosas y olvidadas del pasado reciente de nuestro país.

Imprescindible.

LAS TORTUGAS TAMBIEN VUELAN

La principales víctimas de toda guerra son los niños.

Así lo confirma el director iraní Bahman Ghobadi en este emotivo film.

Un campo de refugiados en la frontera iraquí donde la infancia no existe para los niños que crecen en medio de los campos minados y las ruinas de tanques y obuses.

Un golpe directo a la conciencia del espectador.

Imprescindible.

METROPOLIS: LA VERSION PERDIDA

De acuerdo a lo indicado en un artículo del "Artes y Letras" de El Mercurio, es muy probable que dentro de muy poco tiempo, los seguidores del cine clásico tengan la posibilidad de poder ver la versión íntegra de "METROPOLIS" , la pionera película de ciencia ficción de 1927, del director alemán Fritz Lang.

Lo anterior gracias al trabajo de la gente del Museo del Cine de Buenos Aires que le siguió la pista a una copia de la película que fué propiedad de un antiguo productor de cine de los años 40 , en Argentina. Estos verdaderos "arqueólogos del cine" dieron con una versión del film de duración 168 minutos, en lugar de los 120 minutos de la versión de la Paramount, que es la que se conoce mundialmente. En breve se contactaron con la Fundación Murnau en Alemania (dueños de los derechos del film) para decidir los pasos a seguir.

Una gran noticia para el mundo del cine. Esperaremos impacientes el resultado del proceso de restauración.

CANNES : 68 PALMAS DE ORO

Una potente recopilación del mejor cine de CANNES han hecho los muchachos de la revista electrónica "MIRADAS DE CINE", en su edición Nº 74.
Con generosa voluntad, han comentando 68 filmes ganadores de la "Palma de Oro", el premio gordo del prestigioso festival de cine Francés, el cual se realiza desde 1946.
Un excelente trabajo de crítica y estudio cinematográfico , expresado en un dossier de gran valor para los cinéfilos , en particular para aquellos del mundo de habla hispana.

Para aquellos que les gustan las cosas fáciles y resumidas, será sin duda , un inmejorable dato, para comenzar a ver buen cine.

FARGO - Como el buen vino, mejor con los años.

Recuerdo haber visto parte de "Fargo" alguna vez en televisión, hace ya varios años. Lamentablemente en aquel entonces, no pude verla desde el principio, por lo que , al poco andar del film, decidí postergar su visionado para alguna oportunidad futura, esperándola en el cable o arrendando alguna copia en el video club (uf!...cinta VHS en ese tiempo!) .

Por razones que seguramente no viene al caso comentar -y que por lo demás ni siquiera tengo claras— tuvo que pasar mucho tiempo para que volviera a encontrarme con este film. Sin duda, fué la excelente "No country for old men" la que gatilló mi interés por completar el trabajo inconcluso con "Fargo", y de esta forma, cerrar mi deuda de honor con este genial trabajo de los hermanos Cohen.

Este reencuentro con "Fargo" ha sido como degustar una botella de vino guardada durante mucho tiempo. Efectivamente, y al igual que el vino de guarda, el paso de los años le agrega más encanto al buen cine, entregándole un sabor único e incomparable. Compruebénlo y pongan un buen film en reposo durante un tiempo, para disfrutarlo una tarde en su sillón favorito.

YOJIMBO - Akira Kurosawa

Durante las vacaciones también aproveché de ver algunas películas de las llamadas "clásicas", cuyo visionado me tenía ofrecido hace ya bastante tiempo. Una de ellas era "YOJIMBO" , de Akira Kurosawa.

Debo decir que mis expectativas quedaron plenamente satisfechas, pues la historia del mercenario Samurai Sanjuro, talentosamente contada por Kurosawa en este mítico film, capturó mi interés desde el principio.

Acción, venganza, justicia, redención...Es que ver YOJIMBO es como ver un potente western, pero ambientado en el Japón de los samurais. De hecho, la clásica "Por un puñado de doláres", de Sergio Leone, fué un evidente remake de esta película oriental (leer este interesante artículo en este buen blog de cine de western)

El paso del tiempo no es obstáculo para los grandes del cine, eso me quedo claro.

NO COUNTRY FOR OLD MEN - Los Coen y Barden simplemente geniales

Creo no equivocarme si digo que NO COUNTRY FOR OLD MEN debe ser una de las mejores películas que he podido ver en estos últimos meses. Dirigida por los hermanos Coen, este film es una deliciosa muestra de buen cine , de aquel que hace disfrutar al espectador apoyándose no en un despliegue de superficial parafernalia, sino en un guión inteligente y en sólidas actuaciones.
Y si de actuaciones se trata, la del español Javier Bardem - en el papel de un frío e implacable asesino- hay que decir que es sencillamente espectacular , convirtiéndose quizás en una de las más contundentes de su carrera. Cada vez que la imagen de Bardem ocupa la pantalla , la magnética presencia de su personaje , intimida y angustia al espectador de una forma impresionante.

De igual forma , los roles del veterano Tommy Lee Jones y de un emergente Josh Brolin, están a un excelente nivel , aportando carácter y fuerza , en un necesario equilibrio frente al poderoso personaje del español.

No debe pues extrañarnos que este nuevo film de Joel y Ethan Coen está dando mucho que hablar en las carteleras cinematográficas mundiales , recibiendo premios en cuanto festival de cine participa.

Sin duda, que NO COUNTRY FOR OLD MEN es uno de los filmes obligatorios de ver en la cartelera actual.

CINEMA PARAISO

Para aquellos que se apasionan con el cine , Cinema Paraiso (1989, Guiseppe Tornatore) constituye una de esas películas memorables , que uno debe ver en forma obligada , en algún momento de su vida.

Haciendo honor a la reputación de aquellas románticas tierras europeas, este film italiano, es un hermoso viaje a la nostalgia, a nuestros sueños de infancia , una evocación a la amistad verdadera, a aquella que deja huellas imborrables en nuestra existencia.
En estos agitados tiempos que corren -y sobre todo en estas fechas llamadas al consumo- donde mucho de lo que hacemos puede brillar por su superficialidad, y mucho de lo que vemos en la pantalla chica o grande, destaca por su intrascendencia , darse un tiempo para ver Cinema Paraiso, es un bello y gratificante regalo .

TORO SALVAJE de Martin Scorsese

Dentro de las películas de Martin Scorsese, "Toro Salvaje" (Raging Bull) es una de mis favoritas.

Rodada en un maravilloso blanco y negro, la historia dele legendario boxeador Jake La Motta fué llevada al cine en 1980, de forma inimitable y magistral por el gran director italo-norteamericano.

Hablar de "Toro Salvaje" , en mi opinión, es hablar de una de las expresiones más altas del arte cinematográfico contemporáneo. Técnica y poesía se funden en esta gran película , para mostrarnos una historia llena de dramatismo y emoción. Y es que "Toro Salvaje", no es una película de Boxeo. Es la historia del destino del hombre , que se forja a partir de los errores , de los aciertos , de las manías y de los sueños. Jake La Motta, víctima trágica de su propia naturaleza, llevará su vida a la soledad más profunda, y alejado de aquellos que alguna vez le quisieron, buscará en el ring, en el término de su carrera, una forma de autocastigo por los errores cometidos.

La Motta , luego de dejar el boxeo , terminó haciendo monólogos cómicos en shows de poca monta en clubes nocturnos. En uno de ellos, y en una emotiva escena de la película , mientras ensaya frente al espejo de su camarín, La Motta - magistralmente personificado por Robert De Niro - recrea un diálogo de Marlon Brando, en la Película "La ley del Silencio", historia de un boxeador fracasado, que bien podría representar parte de su trágica vida:

Te acuerdas Charlie, Podría haber destrozado a Wilson esa noche y que pasó? Le dan la oportunidad de pelear por el campeonato, y yo que consigo?: ser otro que no triunfa. Tras aquella noche, ya no serví para nada Charlie, llegas a la cima y luego es cuesta abajo, fuiste tú Charlie, eras mi hermano, deberías haber cuidado de mí un sólo un poco. Deberías haber cuidado de mí. En lugar que yo perdiera las peleas por un unas pocas monedas. Podía haber sido bueno. Podía haber sido un aspirante, podía haber sido alguien, en lugar de ser un muerto de hambre , que es lo que soy".

No puedo dejar de mencionar la inolvidable hermosa secuencia inicial de créditos del film . Bajo la dulce melodía del Intermezzo de "Cavalleria Rusticana" , de Pietro Mascagni, la carga dramática y la belleza poética del film se nos anticipa de una forma en extremo emotiva. Sí "Toro Salvaje" fuera sólo aquella introducción , ya sería, para mi gusto , una pieza maestra.

ESCENAS DE LA VIDA CONYUGAL - I. BERGMAN

Ayer tuve la suerte de ver "Escenas de la Vida conyugal", del director sueco Ingmar Bergman. Y digo suerte, porque mientras salía del trabajo, me enteré por mera casualidad que la Universidad de Concepción habia programado una maratón de cine de Bergman y Antonioni, como homenaje a estos dos grandes directores. Se trataba de varias películas exhibidas en distintos horarios y lo mejor de todo , con entrada liberada. Sin dudarlo me dirigí al lugar de la exhibición. Aunque al principio me extrañó la escasa concurrencia - sobre todo considerando la naturaleza del evento - el público poco a poco fué llegando, para finalmente casi llenar la pequeña sala. Menos mal.

La película nos muestra la historia de Marianne y Johan , un matrimonio cuya relación de pareja es considerada ejemplar , pero que lentamente va evolucionando hacia un estado de profundas desaveniencias , y que inexorablemente camina hacia el divorcio.

Hay que decir que la historia tiene una partida bastante lenta. Sin embargo, a medida que el confilcto se va desarrollando , la historia adquiere un gran interés. La fotografía es sencilla, al igual que su producción. No hay planos grandilocuentes o que intenten impresionar al espectador. Bergman hace un uso casi minimalista de la cámara , y la mueve sólo lo estrictamente necesario El guión y el trabajo actoral son los que se llevan el peso de esta película.

El talento de Bergman es mágico. Convierte una historia común y sencilla , en un fascinante estudio de la naturaleza humana. La soledad , la tristeza y la esperanza son sentimientos humanos encontrables en cada faceta de nuestras vidas y Bergman lo demuestra en esta contundente película.

THE GREAT DICTATOR - Charles Chaplin

La reciente muerte de Antonioni y Bergman, me ha llevado a reflexionar respecto de lo poco que valoramos y conocemos del legado de los grandes maestros del cine, de aquellos adelantados que hacían películas cuando muchos ni siquiera imaginaban los alcances que este maravilloso arte tendría en el futuro.

Con tanto filme irrelevante , de fácil consumo y olvido inmediato, que inunda el video y las carteleras , casi siempre dejamos de lado la valiosa herencia cinematográfica que los grandes del cine dejaron. Entre estos grandes ,mencionaré aquí a uno que considero fundamental: Charles Chaplin. Creador incansable, este británico aportó al patrimonio fílmico de la humanidad casi un centenar de películas, muchas de ellas inolvidables por su magia y encanto.

"The Great Dictator" es una de mis favoritas . Una gran comedia , de profunda ironía , que constituye una furibunda crítica al nazismo-fascismo mundial.

Como muchos grandes ,la vida de Chaplin también tuvo lugar para la incomprensión. Perseguido en Estados Unidos en los años 50 , en los irracionales procesos de la "caza de brujas" del Comité de Actividades Anti-norteamericanas, fué obligado al exilio político. Regresó sólo casi 20 años más tarde a recibir un tardío premio Oscar , en lo que debe entenderse como un evidente gesto de reparación a su carrera cinematográfica.

En la actualidad, los tiempos de la comunicación global y de internet permiten conocer mucho más de la obra creadora de estos grandes maestros. Los invito a volver la vista al pasado, a las obras fundamentales del arte cinematográfico, en un mínimo homenaje a aquellos que partieron, y que de una u otra forma abrieron el camino a lo que el cine es en la actualidad